Banksy aus Bristol gehört zweifelsohne zu den am meist gehypten Streetart Künstlern der letzten Jahre.

Neben seinen Graffiti Arbeiten startete er immer wieder außergewöhnliche Aktionen. So hängte er ohne Erlaubnis seine Bilder unter anderem im Museum of Modern Art in New York, Tate Modern in London oder dem Louvre in Paris auf. Oft dauerte es einige Zeit bis Leuten in den Museen das herein geschleuste Bild aufgefallen ist. Die Medien stürzten sich sofort auf die Geschichte und so wurde Banksy über die Kunstszene hinaus weltweit bekannt. Er hat es jedoch bis heute geschafft, seine Identität vor der Öffentlichkeit geheim zu halten.

Die Preise für seine Kunstwerke schnellten in die Höhe. 2007 wurde ein Original Banksy Bild für 80.000 Dollar bei Sotheby’s versteigert. Im Jahr darauf erreichte das Werk “Keep it Spotless” bei einem Sotheby’s Charity Event in New York die unglaubliche Summe von 1,87 Millionen Dollar. Doch der Hype ging noch weiter, denn plötzlich gab es immer mehr Löcher in den Wänden von Londons Häusern. Hört sich etwas komisch und zusammenhangslos an, jedoch kamen die fehlenden Stücke in den Mauern nicht von ungefähr. Die Leute klauten die gesprühten Motive des Künstlers von den Hauswänden. Und da das nicht so leicht funktioniert muss man eben zum Ärger der Bewohner das ganze Stück Mauer mitnehmen.

Ende letzten Jahres gab es nach dem Scheitern des Kopenhagener Klimagipfels drei neue Werke von Banksy am Londoner Regents Kanal zu sehen. Auf dem Bild oben ist der Spruch „I don’t believe in global warming“ zu lesen. Der untere Teil der Buchstaben ist vom Wasser verdeckt, was eine Anspielung auf die steigenden Meeresspiegel sein soll.

Auf den anderen zwei Werken ist ein angelnder Junge abgebildet, der am Haken das Tag von Banksy hat, sowie ein Maler, der gerade ein alten Schriftzug übermalt. Letzteres ist der Ausgangspunkt einer Auseinandersetzung mit der Graffiti Legende Robbo. Von ihm stammt das Piece, das Banksy ungefragt mit seinem Werk gecrosst hat.

Auf den ersten Blick sieht das Bild vielleicht nicht sonderlich spektakulär aus, jedoch handelte es sich hierbei um eines der ältesten noch erhaltenen Pieces in London.

25 Jahre strotzte es Wind und Wetter, sowie unzähligen anderen Writern, die an diesem beliebten Ort mit ihren Dosen zur Tat geschritten sind. Zudem gilt es als ungeschriebenes Gesetz Schriftzüge von anderen Malern nicht zu übermalen. Tut man dies doch, kommt es einer Kriegserklärung gleich und der andere Sprayer hat das Recht des Gegners Kunstwerke mit seinem Tag oder was ihm gerade so in den Sinn kommt zu übersprühen. Wie er das macht und wann er damit wieder aufhört liegt dann ganz bei ihm.

Dementsprechend hat sich auch Robbo geäußert. Natürlich weder mit Worten noch mit seinen Fäusten. Er hat den drei neuen Banksy Bildern am Regents Kanal nach bestem Wissen und Gewissen seinen Stempel aufgedrückt. Obwohl er sich bereits vor 16 Jahren zur Ruhe gesetzt hat konnte er diese Schmach nicht über sich ergehen lassen.

Neben dem Maler aus Banksys Bild erstrahlte plötzlich in dicken silbernen Lettern das Wort „King Robbo“.

Aus dem „I don’t believe in global warming“ Schriftzug wurde „I don’d believe in war“ mit dem Hinweis „It’s to late fort hat Sonny!“

Und der angelnde Junge zieht auch nicht mehr das Tag von Banksy aus dem Fluß, wie ihr dem Bild unten entnehmen könnt. Auch hier gibt es wieder einen kleinen Hinweis bzw. in diesem Fall eine rhetorische Frage: „Did you think it was over?“

Die drei Werke wurden abschließend alle mit „Team Robbo“ gekennzeichnet, so dass es zu keinen Missverständnissen kommen kann. Die Szene wartet nun gespannt auf eine Antwort von Banksy. Der wiederum ließ verlauten, dass das Bild bereits vorher beschmiert worden war:

“I didn’t paint over a ‘Robbo’ piece. I painted over a piece that said ‘mrphfgdfrhdgf’, I find it surreal when graffiti writers get possessive over certain locations. I thought that having a casual attitude towards property ownership was an essential part of being a vandal.”

Im Krieg soll es ja anscheinend immer einen Gewinner und Verlierer geben. Doch die letzten Kämpfe der USA haben uns ja bereits eines besseren belehrt. Auch im Battle zwischen Banksy und Robbo mag ich bezweifeln, dass einer der Beiden mit erhobenen Händen das Schlachtfeld verlassen wird, während der andere den Siegerpokal freudestrahlend entgegen nimmt.

Ob das Bild wirklich der einzige Auslöser war, sei dahin gestellt. Immerhin spielt auch der Faktor Neid immer eine große Rolle, denn Robbo hat es nie geschafft für seine Malerei Geld zu bekommen. Er fühlt sich in seiner Ehre verletzt und wütet nun in London über den Werken von Banksy. Vielleicht wird er ja eines Tages damit aufhören. Ob Recht oder Unrecht, am Ende des Tages bleiben zerstörte Kunstwerke zurück, die keinem wirklich weiterhelfen.

Bei René auf dem Blog bin ich auf etwas ganz wundervolles gestossen. “Facedown Photography“. Das ist ein Blog das von drei Leuten betrieben wird und das nur aus Bildern besteht, die sie an mehr oder weniger klassischen Touristen-Foto-Spots machen, aber eben immer mit dieser einen Besonderheit, daß die zu fotografierende Person mit dem Gesicht auf dem Boden liegt. Das hört sich erstmal schrecklich albern an und ich kann tatsächlich auch kaum aufhören zu lachen. Einerseits. Andererseits hat das aber auch durchaus etwas supersubversives, auch wenn das gar nicht die Intention war, wenn man den Machern Glauben schenken darf. Zumindest schreiben sie das so auf ihrem Blog:

Facedowns are from over 2 dozen countries and at least 10 American states…and counting, of course. They do not highlight a community of anonymous submissions. Instead there is a focus on the locations and the relationship we all have with the quintessential ‘tourist photo.’ Don’t think about it too much though. We’ll be delighted if you’re simply amused.

Ich denke ehrlich gesagt, das das etwas tief gestapelt ist. Aber das macht es ja nur umso charmanter. Die Macher der Bilder wissen durchaus, das ihre Fotos auch als Statement lesbar sind. Das es eine gewisse Kritik zumindest auf der Metaebene gibt, die man in den Bildern sieht. Sie wollen es aber nicht überdramatisieren, an vordester Stelle steht dann doch noch der Spaß an der Idee. Ein Grund mehr, das Projekt zu lieben. Vor allem wenn man sieht, was dabei herauskommt:

Wie das manchmal zu einem Suchbild ausartet, wie sehr Menschen verschwinden können, wenn sie nur liegen. Unglaublich. Diese ganze Idee hat soviel Charme, Potential, Ausdruck und Kraft, ich wünsche mir das dem Team nicht so schnell der Atem ausgeht. Man kann stundenlang auf dem Blog stöbern und isch die Bilder genau ansehen. Ich bin ehrlich begeistert. Auf das noch eine ganze Menge mehr Facedown Fotos kommen (und eines Tages ein schöner Bildband). Danke Lynn und Michael Chealander und Amy Mihyang. Keep up the great work!

Am Samstag erst ging sie zu Ende, die Ausstellung “As if by magic“, welche in zauberhafter Weise 1010 (Künstler und Street Artist aus Hamburg), Aitch (Künstlerin und Illustratorin aus Rumänien), Dixon (in Caracas, Venezuela geboren und nun in Barcelona lebend), Labrona (ein aus dem leicht unterkühlten Montréal stammender Street Artist), Noper (rumänischer Urban Artist und Illustrator), Other (der nach eigener Aussage aussieht wie ein unterernährter armer Künstler mit dunklen Augenringen), Produkt (Maler und Street Artist aus Montréal, der seine Inspiration in erster Linie aus Träumen bezieht) und Saddo (rumänischer Künstler, Illustrator und Street Artist) auf den rund 300 m2 Fläche der heiligen Hallen der neurotitan Galerie miteinander vereinte.

Die Besonderheit an dieser Zusammenstellung bestand darin, dass kein Thema die Arbeiten dominierte, sondern die Auswahl über ein verbindendes Element in ihnen selbst getroffen wurde. Eine Magie eben, die allen innewohnt, obgleich die Künstler aus den verschiedensten Teilen dieser Welt stammen und von unterschiedlichen Lebenshintergründen geprägt wurden. Sie hatten sich teilweise entweder schon einmal getroffen, dieselben Reisewege hinter sich oder tatsächlich im Kontext anderer Kollaborationen miteinander gearbeitet – jedoch erst jetzt formten sich diese Gemeinsamkeiten alle an einem Ort zu neuen Werken und die Inspiration beim kollektiven Malen erfolgte – natürlich – wie von Zauberhand…

Wer diese fantastische Zusammenstellung also leider verpasst hat oder schlicht nicht mit einer Berliner Wohnhaft gesegnet ist, darf sich nun an den folgenden Fotos ergötzen, die ich höchstselbst beim Wandeln durchs Zauberzufallsergebnis geschossen habe. Die ihnen eigene bunte Magie spricht schließlich für sich selbst:

Seit Jahren geistert das Schlagwort der ‚Tonträgerkrise’ durch die Einschätzungen der Musikmarktexperten und die Schlagzeilen der entsprechenden Branchenblätter. Natürlich, wir stecken de facto mittendrin. Der Tod der CD ist beglaubigt, im Prinzip liegt sie halbtot röchelnd auf dem Sondermüllfriedhof, sich bis in alle Ewigkeit der Zersetzung verweigernd.

Dream Cube Shanghai Expo 2010

Kleine Notiz am Rande: Natürlich sind Cds nicht völlig nutzlos geworden, immerhin kann man aus den Trays Expo-Pavillions bauen.

Aber davon abgesehen will ihnen kaum noch jemand Coolnessvorsprung oder Revivalchancen einräumen. Nicht so wie den Musikkassetten, die seit geraumer Zeit ein Underground-Comeback erleben und von eigens darauf spezialisierten Tape-Labels wieder ausgegraben werden. Und bei weitem nicht wie bei der Vinylschallplatte, die natürlich nie wirklich weg war, deren Verkaufszahlen sich aber seit dem Anbruch der MP3-Hegemonie und dem Niedergang der CD ganz erfreulich stabilisieren. Gewiss, Vinyl ist kein zukunftsfähiges, sondern ein Liebhabermedium. Es ist ein nostalgisches Relikt, in dessen Renaissance sich die reaktionären Spleens der älteren Semester („Ich brauche was zum Anfassen!“) bündeln und das folglich den zweiten Frühling erlebt, bis die Generation iPod es irgendwann aus dem kollektiven Gedächtnis herausgeshuffelt hat. Aber in einer Gegenwart der sich immer weiter verkürzenden Halbwertzeiten von Trägermedien (auch der Tod des iPods wird bereits prophezeit), ist der Schwundaufschub der großen schwarzen Scheibe eines der wenigen beruhigenden Zeitzeichen. Insbesondere vor dem Hintergrund der Tatsache, dass Vinyl nicht mehr ausschließlich der unvergleichbaren Soundtiefe und der Rezeptionspraxis wegen gepresst wird. Selbst ein großer Teil der Schallplattenverfechter ist einfach zu faul geworden, nach gut zwanzig Minuten zum Turntable zu laufen und die Platte umzudrehen. Viele Labels bedienen die neuen Hörgewohnheiten und legen den Vinyls Coupons zum kostenlosen Download der enthaltenen Musik bei. MP3 für den Praxisgebrauch, das Medium für den ästhetischen Mehrwert. Das MP3 wandert ins iTunes, die LP in den Plattenschrank. Damit wurde das Trägermedium auf groteske Weise von allen Funktionalitätsbedingungen befreit. Es muss nur noch schön aussehen, möglichst limitiert sein und das Gewissen des Besitzers dahingehend beruhigen, dass er das Stück Musik eben tatsächlich besitzt und er es qua Plattensammlung auch jedem beweisen kann. Kurz gesagt: Eine Schallplatte hat heute keinen Nutzen mehr außer den, sich auf sie einen runterholen zu können. Das klingt vielleicht hart, aber hey, Fetische dieser Art sind doch das normalste der Welt. Und es gibt einen interessanten Nebeneffekt. Da Schallplatten eigentlich nur noch gut aussehen müssen, tun sie genau das in besonderem Maße. Besonders üppig ausgestattete Vinyleditionen sind kaum noch auf den Die-hard-Fan zugeschnittene Sonderformate, sondern in den Neuheiten-Regalen der Plattenläden beinahe schon Normalität. Beispiel gefällig?

Exhibit A: Sufjan Stevens – The BQE

Normalerweise durchmessen die Alben des Singer/Songwriters ganze US-Bundesstaaten. Nachdem er „Michigan“ und „Illinoise“ (sic!) aufnahm, machte er sich immer wieder einen Spaß daraus, Gerüchte darüber zu streuen, er hätte für jeden der 50 Bundesstaaten ein Album in Planung. Die Neigung zum Größenwahn legt er auch dann nicht ab, wenn er sich zwischen den regulären Albumveröffentlichungen anderen Projekten widmet. Wie zum Beispiel dieser Aufnahme eines Orchesterstückes, das – Achtung! – durch den Brooklyn-Queens-Expressway und – noch mal Achtung! – den Hula Hoop-Reifen angeregt wurde. Die Suite wurde im Jahr 2007 im Rahmen einer audiovisuellen Performance in der Brooklyn Academy of Music aufgeführt und vor kurzem wurde die Veröffentlichung hinterher geschoben, die ihrerseits die eine oder andere multimediale Ebene hinzufügt.

Die LP steckt in einem schönen, rundum bedruckten, dreiteiligen Gatefold.

Um auch nicht-New Yorkern die „Psychedelic Glory“ der Dauerstau-geplagten Schnellstraße vor Augen zu führen, liegt der Platte ein 32-seitiges, vollfarbiges Booklet mit Collagen aus Fotomaterial und exzentrischen Typografien, bzw. Form-Assoziationen bei, das Stevens höchstselbst mit einem ausufernden Essay über den Expressway anfüttert.

Das scheint dem Kreativität-sprühenden Alleskönner aber noch nicht gereicht zu haben. Als weitere Dreingabe gibt es einen 40-seitigen Schwarzweiß-Print des „Super Teenage Hooper Heroes“-Comics, dessen aberwitzige Story natürlich ebenfalls von Stevens selbst stammt.

Sufjan Stevens – The BQE ist bei Asthmatic Kitty Records erschienen.

Exhibit B: Joanna Newsom – Have One on Me

Bereits das letzte Album der gefeierten Harfe-zupfenden Songwriterin war Aufsehen erregend verpackt. In der Tendenz zum Opulenten Sufjan Stevens durchaus die Hand reichend, war die bisherige Diskografie der Amerikanerin eigentlich nur durch eines zu krönen: durch ein Dreifach-Album.

Entsprechend sind drei Schallplatten enthalten, jeweils mit Kontrast-satten Portraits auf der einen und der jeweiligen Tracklist auf der anderen Seite.

Zusammen mit einem achtseitigen Textheft werden die Tonträger von einem barock illustrierten Karton zusammengehalten.

Joanna Newsom – Have One on Me ist bei Drag City erschienen.

Mittlerweile ist es ein grosser Sport für einige geworden verlassene Gebäude aufzusuchen und dort zu fotografieren. So habe ich schon Schlösser oder Sanatorien gesehen, verlassene Schulen in denen die Bücher noch rumlagen oder den häufig fotografierten und auch schon in Musikvideos auftauchenden, vor sich hinverrottenden Spreepark im Herzen Berlins. Und immer ist es faszinierend, sich diese Bilder anzugucken. Weil die natürlich ganz viel erzählen. Weil man sich fragt, warum da alles liegen gelassen wurde. Und man unwillkürlich damit beginnt, einen kleinen Film im eigenen Kopf abzuspielen, wie es da wohl ausgesehen hat, als noch Leben in der Bude war. Wie gesagt: Kopfkino par excellence.

Nun bekommt das ganze aber eine neue Qualität. Denn der in Japan lebende Fotograf Michael John Grist fotografiert nicht nur Ruinen in Japan, er fotografiert ganze Geisterstädte. Davon gibt es wohl mehrere, wie er auf seiner Seite erklärt:

In actuality, though, there are far more dark spots on the map than you’d imagine. The general view that every square inch of land is worth a bazillion dollars is just not true. There are gaps in the façade that whole towns have fallen into, along with bizarre abandoned theme parks, ruined U.S. Air Force bases, and the tawdry remnants of pay-by-the-hour love hotels.

Diese Städte nennt man wohl Haikyo, das japanische Wort für “Ruine”. Und die Fotos die Grist in diesen Ruinen macht, sind mehr als beeindruckend. Da stehen noch ganze Exponate in irgendwelchen Museen rum und die Verlassenheit der Städte bedrückt und zieht zugleich an. Wirklich fantastische Bilder und wer auf seine Seite geht, der hat eine Menge zu stöbern und zu gucken. Great work!